Обновленная программа по предметам-участникам выставочного марафона «125 шедевров Бахрушинского музея» на вторую неделю октября 2019 года

Расписание с 8 по 15 октября:

8 октября

М.И. Трегубова. Шинель из серого сукна с красным подбоем.
Деталь костюма Михаила Барышникова для роли Николая Платоновича в спектакле «В Париже», 2011 г. Сукно, шелк, желтый металл, штамп.

«В Париже» («In Paris») Д.А. Крымов (совместная постановка BARYSHNIKOV ARTS CENTER & Лаборатории Дмитрия Крымова; Режиссер: Д. Крымов; Художник: М. Трегубова; Композитор: Д. Волков).

9 октября

В.А. Вольский. Портрет Е.А. Евстигнеева. Около 1977 г. Холст, масло.

Виктор Адольфович Вольский ‒ российский и советский художник театра.
За сорок лет своей творческой деятельности он оформил более двухсот балетных, оперных и драматических спектаклей в России, Европе и Азии. Был удостоен различных наград за выдающиеся достижения в художественно-постановочной области.  В семидесятые годы художник создает серию портретов талантливых советских артистов. Среди них – Наталья Гундарева, Армен Джигарханян, Владимир Васильев, Булат Окуджава, Елена Проклова и Евгений Евстигнеев.

Народный артист СССР Евгений Александрович Евстигнеев родился в 1926 году в Нижнем Новгороде. Окончил до войны семь классов и в 1941 году пошел работать электромонтером. Затем год проучился в строительном техникуме, но после смерти отчима ушел работать слесарем на завод «Красная Этна». В свободное время играл в джазовом оркестре. В 1946 году на одном из выступлений его заметил директор Горьковского театрального училища Виталий Лепский. Он оставил ему адрес института, куда Евстигнеев пришел через несколько дней, успешно прошел испытания и был зачислен в театральное училище. Несмотря на успех у публики и роли в театре, Евстигнеев хотел учиться дальше, и когда во Владимир приехали педагоги школы-студии МХАТ набирать студентов, он, не задумываясь, записался на прослушивания и успешно их прошел. В 28 лет его приняли сразу на третий курс. В 1956 году Евстигнеев был в числе студентов выпускного курса, ставшего основой для нового московского театра «Современник». В 1971 году он, вслед за Олегом Ефремовым, перешел в МХАТ. Он мог играть все. Любую, даже самую маленькую роль, он исполнял так, что забыть ее было невозможно.

В конце 1950-х его заметили в кинематографе. Всеобщая любовь и известность пришла к Евстигнееву в 1964 году после роли товарища Дынина в фильме Элема Климова «Добро пожаловать, или посторонним вход воспрещен». В последующие годы он снялся в фильмах «Семнадцать мгновений весны», «Берегись автомобиля», «Невероятные приключения итальянцев в России», «Золотой теленок», «Старики-разбойники», «Место встречи изменить нельзя», «Зимний вечер в Гаграх», «Собачье сердце». Всего в его арсенале за три десятилетия появилось более ста ролей в кино и более пятидесяти ролей в театре.

Все свои роли актер играл с полной отдачей. Так было всегда, до последних дней, даже когда после каждой темпераментной сцены актеру приходилось отлеживаться на кушетке в своей гримерной и принимать лекарства. В 1992 году Е.А. Евстигнеев умер, вскоре после второго инфаркта. Портрет поступил в ГЦТМ в 1995 году.

10 октября

Дмитрий Анатольевич Крымов. Режиссерская разработка спектакля «Торги» по  мотивам произведений А.П. Чехова
Москва. Театр «Школа драматического искусства», 2006 г.

Дмитрий Анатольевич Крымов родился 10 октября 1954 года в семье режиссера Анатолия Эфроса и театрального критика Натальи Крымовой. В 1976 году окончил постановочный факультет школы-студии МХАТ и начал работать театральным художником в Театре на Малой Бронной. Среди оформленных им спектаклей в постановке А.В. Эфроса «Отелло» В. Шекспира (1976), «Месяц в деревне» по И. С. Тургеневу (1977), «Продолжение Дон Жуана» Э. Радзинского (1979), «Лето и дым» Т. Уильямса (1980), «Воспоминание» А. Арбузова (1981), «Наполеон Первый» Ф. Брукнера (1982), «Директор театра» И. Дворецкого (1983). В МХАТе им. Горького создал декорации к спектаклям «Тартюф» Ж.-Б. Мольера, «Живой труп» Л.Н. Толстого, «Попытка полета» Й. Радичкова. В Театре драмы и комедии на Таганке работал над спектаклями «У войны не женское лицо» С. Алексиевич, «Полтора квадратных метра» Б. Можаева и «Мизантроп» Ж.-Б. Мольера.

Как художник оформил около 100 спектаклей. Работал с режиссерами В. Портновым, А. Товстоноговым, В. Саркисовым, М. Киселовым, Е. Арье, А. Шапиро, М. Розовским, С. Арцибашевым в театрах Москвы, Санкт-Петербурга, Риги, Таллинна, Нижнего Новгорода, Вятки, Волгограда и других городов СССР, а также за рубежом (Болгария, Япония).

В начале 1990 года Дмитрий Крымов ушел из театра и занялся станковым искусством: живописью, графикой, инсталляцией. Участвовал во многих групповых и персональных выставках, как в России, так и за рубежом.

С 2002 года Дмитрий Крымов преподает в Российском Университете Театрального Искусства – ГИТИС, где ведет курс театральных художников. В 2008 году вместе с режиссером Евгением Каменьковичем впервые набрал экспериментальный курс на режиссерском факультете, где сценографы, режиссеры и актеры учатся совместно.

Как театральный режиссер дебютировал в 2002 году, поставив великую трагедию В. Шекспира «Гамлет» в Московском драматическом театре им. К.С. Станиславского.

В 2004 году вместе со студентами-сценографами подготовил спектакль «Недосказки», ставший первым опусом Театра художника – лаборатории Крымова в театре «Школа драматического искусства».

О спектакле «Торги», поставленном в 2006 году, Дмитрий Крымов говорил так: «В нашем спектакле я решил перемешать четыре пьесы Чехова, наложить их друг на друга, как четыре прозрачных рентгеновских снимка с разными вариантами одной и той же болезни, и отдать эти тексты пяти людям — пяти актерам, которые некоторым образом есть собирательные чеховские типы: два мужчины и три женщины. Один — Гаев, Вершинин, Дядя Ваня, Петя Трофимов, второй — Астров, Тригорин, Лопахин, третья — Раневская, Аркадина, Елена Андреевна и четвертая — Аня, Нина, Соня и Ирина. Пятый персонаж — печальный скептический клоун. Грустный, бездомный, битый жизнью клоун: Шарлота, Фирс, Чебутыкин. Пять человек, как дети, возятся в песке. Они строят дом, маленькую модель своего театра, свою «детскую», где они провели несколько последних счастливых лет, свой Вишневый сад».

В 2018 году Дмитрий Крымов ушел из театра «Школа драматического искусства», а свои творческие материалы, связанные с годами «лабораторной» жизни, передал в дар Театральному музею имени А.А. Бахрушина.

11,12,13 октября

1. Туфля балетная Анны Павловой

«Помните, вы рассказывали: тот, кто увидит фею, будет счастлив всю жизнь. Я видела живую фею – ее зовут Анна Павлова», – так написала своим родителям маленькая девочка после посещения спектакля с участием великой балерины.

Кроме распространенных эпитетов: «восхитительная» и «божественная», Павлову сравнивали и с настоящим лебедем. Она стала легендой еще при жизни. Русские и иностранные журналисты соревновались в сочинении историй о ней, а она, читая их сочинительства, лишь смеялась, поэтому ее всегда окутывал флер из мифов, слухов и легенд. Тем не менее, ее жизнь в искусстве всегда была открыта и не имела тайн, чего нельзя сказать о ее личной жизни. Но, тем не менее, детали биографии балерины могут поведать о самоотверженном труде, жертвах во имя искусства, которые, как правило, остаются «за кадром», но являются неотъемлемой частью сотворения волшебства искусства танца.

Самая знаменитая балерина ушедшего столетия, Анна Павлова родилась 31 января (12 февраля) 1881 года. Ее отец умер очень рано, и девочка воспитывалась матерью. Хотя они жили в постоянной нищете, Любовь Федоровна, подрабатывая прачкой, старалась скрасить тяжелое детство «любимой Нюры». На именины и Рождество девочку всегда ждали подарки, принесенные заботливой, щедрой рукой, а когда Анне исполнилось восемь, мать отвела ее в Мариинский театр на балет «Спящая красавица».

Тонюсенькая 8-летняя девчушка заворожено смотрела на сцену Мариинского театра. Там, в волшебном мире музыки, кружилась в танце Спящая красавица. «Мама! – вдруг твердо сказала девочка. – Я вырасту и буду танцевать в этом театре!».
Мать вздохнула. Куда уж дочери прачки грезить о сцене – не умереть бы с голоду… Но всю неделю после спектакля дочка Анечка плакала: «Хочу танцевать!», а потом заболела и начала таять как свечка. Пришлось перепуганной матери переговорить с танцовщицей Соколовой, которая отдавала ей белье в стирку. «Отведите вашу Анечку в балетную школу. Там одаренных детей берут за казенный кошт!» – посоветовала та. И повела мать свою Аню в балетную школу. Подумала: выгонят прачкину дочку, и дело с концом. Но директор, осмотрев девочку, сказал: «Привозите, когда исполнится 10 лет».
В 1891 году «воспитанницу Анну Павлову» приняли в Императорскую балетную школу. Восторгам девочки не было границ, только мать ужасалась: «Это ж все равно, что в монастырь! Ведь там, говорят, не кормят, не поят и так холодно, что вода в кадке замерзает!».
Все так и вышло. И кормили впроголодь, и поднимали затемно, и вода в умывальниках превращалась в ледяные иглы. Но ученицы не унывали – шалили и отлынивали от уроков. Но не Аня! Тихая старательная девочка ни с кем не дружила, ничего не замечала и только рвалась в классы – к станку. Танцевать! Спустя восемь лет Павлова стала ведущей актрисой Мариинского театра, а после ошеломительного успеха в роли Никии в «Баядерке» ее уже называли первой солисткой  Мариинки.

Великий балетмейстер Фокин поставил для нее на музыку Камиля Сен-Санса «Умирающего лебедя», который навсегда стал коронным номером балерины и облетел весь мир. Намного позднее, когда композитор встретил Павлову, то, восхищенный ее выступлением, воскликнул: «Мадам, благодаря вам я понял, что написал восхитительную музыку!».

В 1907 году Мариинский театр отправился на гастроли в Стокгольм. Именно после этих гастролей в Европе впервые заговорили о блистательной молодой балерине, выступления которой имели такой стремительный успех, что даже император Оскар II, восхищенный талантом Павловой, на прощание вручил ей орден «За заслуги перед искусством». Восторженная толпа встречала балерину овациями. «Меня встретили целой бурей рукоплесканий и восторженных криков. Я не знала, что делать», — вспоминала Анна Павлова. Это был настоящий триумф.

И сегодня маленькая балетная туфелька – подарок А.А. Бахрушину – занимает особое место в его кабинете.

2. Программа, США. Сан-Франциско. Театр Валенсия. Труппа А. Павловой
   «Восточная фантазия»
   Залич П., Мусоргский М.П., Римский-Корсаков Н.А., Серов А.Н. (Художник – Бакст Л.С.); «Прелюдии» Фокин М.М., Лист Ф. (Художник – Анисфельд Б.И.). Дивертисмент. При участии Новикова Л.Л. 24 января [1914 г.]

Именно благодаря Анне Павловой Сергей Дягилев включил в Русские сезоны балет, а зрители многих стран мира впервые увидели балетные выступления. Анна Павлова за свою жизнь успела выступить в 40 странах, среди них Австралия, Новая Зеландия, Япония, где ее выступления вызвали настоящий балетный бум. Новая страна для Анны Павловой была не только новой аудиторией, но и вдохновением. В ее репертуаре были мексиканский, голландский и многие другие танцы, созданные под впечатлением от народных танцев этих стран.

Она стала первой артисткой балета, возглавившей свою коммерческую труппу, труппу Анны Павловой. Сама Анна была чрезвычайно трудолюбива и репетировала каждую свободную минуту во время длительных переездов между городами. Она была требовательна к себе и к своей труппе, но в ней все равно порой царила анархия – репетиции откладывались, танцовщики на них опаздывали или не являлись вовсе. Но это не мешало ей любить их, дарить им подарки и заботиться об образовании юных участников труппы. Поэтому в свободное время она советовала «читать» хорошие книги и выделяла дополнительные деньги на походы в музей и театры.

Зрители любили и ждали труппу Анны Павловой, а вот критика не всегда была благосклонна. Ее балеты называли скучными и бессвязными. Но Павлова говорила, что танцует не для критиков. В 1920–1930-е  годы «павломания» охватила буквально весь мир. Во время гастролей балерины в Брисбене фирмой «J.C. Williamson, Ltd.» были выпущены особые шоколадные конфеты «Pavlova», на коробках которых красовалась ее подпись. В Австралии и Новой Зеландии в 1930-х годах был создан десерт под названием «Павлова» (торт из воздушных белых безе с фруктами, который популярен до сих пор). Французская парфюмерная фирма «Payot» с 1922 года выпускает духи, туалетную воду и мыло под именем балерины. Садоводы вывели сорт роз «Павлова», пепельно-розового цвета с бесчисленными лепестками, напоминающими пачку в «Менуэте», выполненную по эскизу Л. Бакста.

В репертуар труппы входили балеты, перенесенные со сцены Мариинского театра, балеты, поставленные другом Анны Павловой Михаилом Фокиным, и танцы, поставленные самой балериной. Представленная программа относится к американским гастролям труппы. 24 января труппа танцевала «восточные фантазии», перенесенные Анной Павловой со сцены Мариинского театра, и «Прелюды», поставленные М. Фокиным, специально для труппы Павловой.

3. Г.Д. Лавров. Анна Павлова в образе «Умирающего лебедя», 1930 г., Россия.
   Бронза, литье, подставка – черный камень.

«1930 г. Апрель. Париж. Театр Елисейских полей переполнен. Начало гастролей Анны Павловой… В зале сидит, затаив дыхание, следит за каждым движением Павловой молодой советский скульптор Георгий Лавров. Глаза его впились в балерину, которая, то взлетает, то бесшумно опускается на носок и кружится по сцене, застывая в арабеске. Кажется, что она сошла со старинной гравюры и ожила перед глазами восхищенных зрителей. И пальцы художника начинают непроизвольно двигаться, как бы ощущая уже материал. Лепить, скорее лепить!».

Это была одна из самых ярких страниц творческой жизни скульптора.

С одобрения наркома просвещения А.В. Луначарского, с которым у Георгия Дмитриевича сложились дружеские отношения, советский скульптор отправился в командировку в Париж 27 марта 1927 года, где проработал восемь лет.

Русская балерина потрясла воображение Лаврова:

«Всю ночь Лавров работал над маленькими скульпторами Павловой в роли Жизели, имея перед собой единственную фотографию на театральной программке… Павлова радостно бросилась ему навстречу. «Спасибо!» – благодарила она. «Так хорошо меня никто не лепил. Скажите, что Вам нужно для работы, и я все сделаю». Удивительные и неожиданные события этого дня показались Лаврову сном».

Дружба и взаимное восхищение искусством друг друга воодушевили художника и балерину. И работу над созданием образов Анны Павловой в материале по праву можно назвать сотворческой:

«Целый месяц Лавров почти жил в театре. С полудня до трех-четырех часов наблюдая за упражнениями балерины, с шести до семи был на репетициях, вечером присутствовал на спектаклях. Несколько дней Павлова выкраивала время, чтобы позировать скульптору в его мастерской. Давала советы, вносила поправки в уже начатые эпизоды, поправки чисто специального свойства. «Балерина дернит ногу чуть не так», «корпус должен иметь больший наклон»». Так в студии в Латинском квартале Парижа рождались легендарные работы преемника роденовской школы ваяния.

Скульптору удалось показать не просто пластику танца, точность и красоту движений, техничность исполнения, а по-настоящему передать всю поэтику каждой роли, психологический подтекст. Для того, чтобы наиболее красноречиво показать всю драматичность Одетты, художник выбрал самую статичную фигуру для композиции скульптуры «Умирающий Лебедь» – треугольник, вершиной которого является одно крыло, с точностью воспроизведенное таким, как и в костюме Павловой. Одно крыло семантически намекает на надлом, неизбежность наступающей утраты полета. Полета жизни, полета души и грез. Скомканные многочисленные оборки пачки символизируют хаос, победивший гармонию, выраженную утонченным станом балерины. Художник усилил эффект и визуальными средствами: рельефность оборок контрастирует с гладкой поверхностью рук, ног и спины балерины.

И по сей день впечатления от работы «Умирающий Лебедь» созвучны с высказыванием самого автора, Георгия Дмитриевича Лаврова, о том, что они «все хранят тепло воспоминаний о замечательной актрисе и чудеснейшем человеке».

15 октября

Афиша с фотоизображением, Москва.
«Синяя блуза». Что мы показываем, 1929 г. Бумага, печать.

Афиша молодежного театра 1920-х годов «Синяя блуза», выполненная в технике фотомонтажа, иллюстрирует доминирующее художественное направление послереволюционной России – конструктивизм. Главными отличительными особенностями стиля являются геометричность и лаконичность форм, которые должны были отразить специфику революционного пафоса.

В это время одним из ведущих методов иллюстративности в плакатной полиграфии становится коллаж и фотоколлаж. Принцип совмещения разнородных материалов наделил театральную афишу необходимой броскостью и информативностью, чтобы подчеркнуть остроту постреволюционных пролетарских настроений. Формообразующую функцию театральной афиши этого времени несет предельно доступное и эмоционально воздействующее текстовое сообщение, нацеленное любой ценой обратить зрительское внимание и «призвать к действию». Художественные приемы театральной афиши, а именно эстрадной, периода конструктивизма можно соотнести с традицией циркового плаката, для которого также было характерно фрагментарное расположение различных частей изображения на афишном листе, а также призывный и эмоционально окрашенный текст, нацеленный на привлечение максимально возможного количества потенциальных зрителей. Рубленый зигзагообразный шрифт афиши театра «Синей блузы» совмещает разномасштабные литеры, располагающиеся в разных уголках листа, и изображение марширующего рабочего. Также афишу дополняют фотоизображения, которые расположены в строгих геометрических формах.

Принцип коллажа, используемый в плакате неизвестным художником, отражает особенности творчества театрального агитационно-эстрадного коллектива «Синяя блуза». Репертуар театра тяготел к малым, преимущественно эстрадным, формам зрелища, таким как скетчи, танцевальные и акробатические сценки, хоровые декламации. Название «Синяя блуза» происходит из цветового сочетания одежды, в которой выступали артисты, – синяя блуза и черные брюки/юбка. Она повторяла прозодежду, рабочую форму пролетариев, трудящихся во благо революции. Исследователи театрального спектакля 20-х годов отмечают, что постановки этого театра являлись актуальными и злободневными, по острому современными и документально убедительными. Фотомонтаж как художественный прием театральной афиши наделил изображение словно марширующим ритмом и позволил раскрыть характер театра и подчеркнуть его революционную ангажированность.

Театральный коллектив «Синяя блуза», вначале любительский, затем переросший в самостоятельное творческое движение, получил международный резонанс. Коллектив ежегодно гастролировал не только по стране, но и за рубежом. В начале 30-х годов коллектив закрылся, оставив после себя множество идей и форм современной эстрады, а также последователей в разных уголках земного шара.